La Mona Lisa

La Mona Lisa es un retrato de medio cuerpo de una mujer sentada, pintado al óleo sobre una tabla de madera por el artista italiano Leonardo da Vinci. La muestra de la cintura hacia arriba, ligeramente girada hacia nosotros y con las manos apoyadas una sobre otra. Lleva un vestido oscuro y un velo muy fino y transparente sobre el cabello, y mira directamente al espectador con una leve sonrisa.

El nombre procede de Giorgio Vasari, pintor y escritor del siglo XVI que escribió biografías de artistas italianos. Describió el cuadro como un retrato de «Mona Lisa», esposa de Francesco del Giocondo. «Mona» es una forma abreviada de «Madonna», que significa «mi señora». En italiano, la pintura se llama La Gioconda y, en francés, La Joconde. Ambos nombres juegan con el apellido Giocondo, que también significa «alegre».

La pintura pertenece hoy al Estado francés y se exhibe en el Museo del Louvre de París. Como es muy famosa y delicada, se muestra detrás de un vidrio antibalas, dentro de una vitrina con temperatura y humedad controladas. Debido a la multitud, los visitantes suelen tener poco tiempo para verla.

Empieza por el rostro. Leonardo no dibujó los contornos de los labios ni de las comisuras de los ojos con líneas nítidas. En cambio, formó las sombras con muchas capas de pintura muy finas y casi transparentes, de modo que la luz pasa suavemente a la sombra. Como las comisuras de la boca y los ojos tienen bordes difusos, la expresión parece cambiar: al mirar directamente la boca, la sonrisa puede parecer que se desvanece; al mirar los ojos, puede parecer que vuelve.

Observa después la postura. La mujer está sentada en una silla cuyo reposabrazos se ve abajo a la izquierda. Tiene el cuerpo en ángulo y la cabeza más girada hacia nosotros. Esta postura relajada, con un ligero giro y las manos completamente visibles, era novedosa en los retratos florentinos. Pronto la copiaron otros pintores, entre ellos el joven Rafael. La figura forma una pirámide estable, con las manos en la base y la cabeza en la parte superior.

Mira luego lo que hay detrás de ella. Está sentada en una logia, una galería cubierta; en los bordes izquierdo y derecho se ven las bases de dos columnas. Más allá del parapeto se abre un paisaje agreste: un camino sinuoso, un puente de varios arcos a la derecha, riscos y lagos. El horizonte de la izquierda parece más bajo que el de la derecha, lo que aumenta la sensación de inquietud y de sueño. Las colinas lejanas se pierden en una bruma azul verdosa. Este efecto se llama perspectiva aérea o atmosférica, y Leonardo lo estudió cuidadosamente en sus cuadernos.

Por último, fíjate en lo que falta. No lleva joyas, y no hay ningún escudo de armas ni inscripción que diga quién es. Los especialistas también han observado que no parecen verse sus cejas ni sus pestañas. Algunos estudios técnicos sugieren que fueron pintadas con mucha delicadeza y se perdieron durante limpiezas posteriores, pero esto no es seguro.

Leonardo nació el 15 de abril de 1452 en Vinci, una pequeña localidad de la Toscana, o cerca de ella. De adolescente se formó en el taller florentino del escultor y pintor Andrea del Verrocchio. Más tarde trabajó para el duque de Milán, aproximadamente entre 1482 y 1499, y allí pintó La última cena. Después regresó a Florencia, donde comenzó la Mona Lisa.

Leonardo sentía curiosidad por casi todo. Sus cuadernos, que suman miles de páginas, contienen estudios de anatomía, agua, vuelo, plantas, máquinas, luz y sombra. Diseccionó cuerpos humanos para comprender los músculos y los huesos, y estudió cómo incide la luz sobre los objetos redondos. Todo ello se refleja en la Mona Lisa: en el suave modelado del rostro, la estructura de las manos y la geología y el agua del paisaje.

También era conocido por dejar obras sin terminar. Acabó pocas pinturas y a menudo las conservó durante años. La Mona Lisa es un ejemplo: en lugar de entregársela a la familia Giocondo, se la llevó a Milán, Roma y, finalmente, Francia. Allí murió el 2 de mayo de 1519 en Clos Lucé, cerca de Amboise, como huésped del rey Francisco I.

Lisa Gherardini nació en Florencia el 15 de junio de 1479, en una antigua familia que había perdido gran parte de su riqueza e influencia. En 1495, cuando tenía unos quince años, se casó con Francesco del Giocondo, un próspero comerciante de seda y telas bastante mayor que ella y que ya había estado casado. Tuvieron varios hijos, y Lisa también ayudó a criar a su hijastro. La investigación de archivos, en particular la del estudioso italiano Giuseppe Pallanti, ha reconstruido muchos detalles de su vida a partir de registros fiscales, contratos y documentos eclesiásticos.

¿Por qué habría encargado Francesco un retrato hacia 1503? Los historiadores han propuesto dos motivos: el nacimiento de su hijo Andrea en diciembre de 1502 y la compra de una nueva casa por la familia alrededor de la misma fecha. El retrato de una esposa permitía a una familia de comerciantes acomodados mostrar su respetabilidad y buena fortuna. El velo fino y la ropa oscura corresponden a la vestimenta de una mujer florentina casada y respetable, aunque algunos autores los han interpretado como signos de luto o embarazo; estas interpretaciones no suelen aceptarse.

Lisa sobrevivió a su marido, que murió en 1538 o 1539, y pasó sus últimos años vinculada al convento de Sant’Orsola de Florencia, donde dos de sus hijas se habían hecho monjas. Murió el 15 de julio de 1542 (algunas fuentes indican el 14 de julio). La familia nunca recibió el retrato; no hay constancia de que ningún miembro de la familia Giocondo lo viera terminado.

La fecha de inicio está excepcionalmente bien documentada para una pintura renacentista. En 2005, Armin Schlechter, bibliotecario de la Universidad de Heidelberg, identificó una nota manuscrita en el margen de una edición impresa de Cicerón. La había escrito en octubre de 1503 Agostino Vespucci, un ayudante de la cancillería florentina. En ella comparaba a Leonardo con el pintor de la Antigüedad Apeles y mencionaba que trabajaba en un retrato de Lisa del Giocondo. Esto confirmó que la obra ya estaba en marcha en 1503, cuando Leonardo también trabajaba en el enorme mural de la batalla de Anghiari para el gobierno de Florencia.

La fecha de finalización es mucho menos segura. Vasari escribió que Leonardo trabajó en el retrato durante cuatro años y lo dejó inacabado. En 1517, el secretario Antonio de Beatis visitó a Leonardo en Francia y anotó que había visto el retrato de «cierta dama florentina, pintada del natural» por encargo de Giuliano de’ Medici. Muchos especialistas creen que se trataba de la Mona Lisa, lo que sugiere que Leonardo siguió retocándola en Roma y Francia. Por eso, el Louvre fecha la obra de manera amplia entre 1503 y 1519.

Leonardo pintó sobre una sola tabla de álamo, un soporte habitual en Florencia, preparada con una base blanca. Aplicó veladuras de óleo extremadamente finas, algunas de solo unos micrómetros de grosor, y añadió una capa tras otra para crear profundidad y transiciones suaves. Los exámenes técnicos, como los estudios infrarrojos y de rayos X, han revelado cambios realizados por el artista, llamados arrepentimientos, por ejemplo en la posición de los dedos y el velo. Con el tiempo, el barniz antiguo ha amarilleado, de modo que la pintura parece hoy más cálida y oscura de lo que Leonardo pretendía. Hasta ahora, el Louvre ha decidido no limpiarla debido a los riesgos.

Durante mucho tiempo se creyó que la tabla había sido recortada por los lados y que así se habían eliminado las columnas. Un examen minucioso de los bordes indica que la tabla no se ha recortado de forma considerable y que las bases de las columnas siempre debían verse solo en parte, aunque la cuestión fue objeto de debate durante mucho tiempo.

Hacia 1500, Florencia era una república. La familia Médici, que había dominado la ciudad durante gran parte del siglo XV, había sido expulsada en 1494, y el predicador Girolamo Savonarola había sido ejecutado en 1498. Nicolás Maquiavelo trabajaba entonces en la cancillería de la ciudad y Miguel Ángel esculpía su David (1501–1504). Incluso se encargó a Leonardo y a Miguel Ángel que pintaran escenas de batallas rivales en las paredes de la misma sala del consejo.

El retrato estaba cambiando. Los retratos florentinos anteriores de mujeres solían mostrarlas de perfil estricto, como las figuras de una moneda, y expresaban su posición social mediante joyas y ropa elegante. Los pintores flamencos habían introducido las vistas de tres cuartos y los paisajes de fondo, que los artistas italianos admiraban. Leonardo combinó estas ideas con sus propios estudios sobre la luz y la anatomía para crear un retrato que parece mostrar a una persona viva, que piensa y nos devuelve la mirada.

La Mona Lisa influyó pronto en otros artistas. Rafael, que estuvo en Florencia aproximadamente entre 1504 y 1508, hizo un dibujo basado en ella y empleó su postura en retratos como el de Maddalena Doni. El círculo de Leonardo realizó copias. Se cree que una versión conservada en el Museo del Prado de Madrid, limpiada en 2012, fue pintada en el taller de Leonardo al mismo tiempo que el original, quizá por uno de sus alumnos. Permite hacerse una idea de cómo pudieron verse los colores antes de que el barniz se oscureciera.

Tras la muerte de Leonardo, la pintura pasó a la colección del rey Francisco I de Francia. Se debate cómo ocurrió exactamente. Parece que Salaì, ayudante de Leonardo durante muchos años, poseyó la pintura, o una versión de ella, en algún momento: un inventario de sus bienes elaborado en 1525 incluye un cuadro llamado «La Gioconda». Algunos historiadores creen que Francisco I compró el original a Salaì mientras Leonardo aún vivía; el catálogo del Louvre afirma que el rey lo adquirió en 1518.

Durante casi tres siglos, la pintura perteneció a los reyes de Francia y se conservó en el palacio de Fontainebleau y, más tarde, en Versalles. Después de la Revolución francesa, las colecciones reales pasaron a ser propiedad nacional y el cuadro fue destinado al nuevo museo público del Louvre. Napoleón Bonaparte hizo que lo colgaran en su dormitorio del palacio de las Tullerías durante algunos años, alrededor de 1800, antes de que regresara al museo.

Durante las guerras, la pintura se trasladó para protegerla: en 1870–1871 y durante las dos guerras mundiales fue sacada de París. En la Segunda Guerra Mundial se ocultó en varios castillos de la campiña francesa, entre ellos Chambord, para protegerla de los bombardeos y los saqueos.

Hasta el siglo XIX, artistas y conocedores admiraban la Mona Lisa, pero no era más famosa que muchas otras pinturas renacentistas. Los escritores románticos empezaron a describir a la mujer como una figura misteriosa y seductora. Un célebre pasaje escrito en 1869 por el crítico inglés Walter Pater contribuyó a convertir su sonrisa en un símbolo de misterio.

El 21 de agosto de 1911, la pintura desapareció del Louvre. El ladrón era Vincenzo Peruggia, un trabajador italiano que había ayudado a instalar vidrios protectores en el museo. Un día en que el museo estaba cerrado, descolgó la tabla, le quitó el marco y salió del edificio con ella escondida bajo la bata de trabajo. Estuvo desaparecida durante más de dos años. El poeta Guillaume Apollinaire fue detenido brevemente y Pablo Picasso fue interrogado. En diciembre de 1913, Peruggia intentó vender la pintura al marchante de arte florentino Alfredo Geri, quien avisó a las autoridades. Peruggia afirmó que quería devolverla a Italia. Después de exhibirse en Florencia, Roma y Milán, la pintura regresó a París en enero de 1914.

Los periódicos de todo el mundo informaron sobre el robo y la recuperación, y la pintura se hizo conocida en todas partes. En el siglo XX, algunos artistas la utilizaron como símbolo del arte consagrado para cuestionarlo o burlarse de él: en 1919, Marcel Duchamp dibujó un bigote y una perilla sobre una reproducción en forma de postal (L.H.O.O.Q.), y en 1963 Andy Warhol repitió su imagen en una serigrafía titulada Thirty Are Better Than One. La pintura viajó a Estados Unidos en 1962–1963, donde la vieron mucho más de un millón de personas, y a Tokio y Moscú en 1974.

También ha sufrido ataques. En 1956, un visitante lanzó una piedra que dañó una pequeña zona de pintura cerca del codo izquierdo. Desde entonces se exhibe detrás de un vidrio protector. Incidentes más recientes, como una tarta untada en el vidrio en 2022 y sopa arrojada contra él en 2024, no dañaron la pintura.

Identidad. Vasari identificó a la retratada como Lisa del Giocondo en un texto publicado en 1550, décadas después de los hechos. Como él nunca vio la pintura, durante mucho tiempo se trató su afirmación con cautela. Se propusieron otras identidades, entre ellas Isabella d’Este, Costanza d’Avalos, una amante de Giuliano de’ Medici, una mujer idealizada e incluso un autorretrato disfrazado de Leonardo. Hoy, la nota de Vespucci de 1503 se considera generalmente una prueba sólida de que Leonardo pintaba a Lisa del Giocondo en esa fecha. Sigue debatiéndose si la pintura del Louvre es exactamente ese retrato y cuánto se transformó después.

El problema de De Beatis. La descripción que De Beatis escribió en 1517 relaciona el retrato de la dama florentina con Giuliano de’ Medici, y no con Francesco del Giocondo. Los especialistas lo han explicado de distintas maneras: Giuliano, que vivía en Roma mientras Leonardo trabajaba allí bajo su mecenazgo, pudo haberlo animado a continuar el retrato; De Beatis o quien le informó pudo haberse confundido; o la pintura vista en Francia pudo haber sido otra obra. Se ha propuesto la existencia de dos retratos, uno para la familia Giocondo y otra versión posterior, pero la mayoría de los especialistas considera que el cuadro del Louvre es el único original, comenzado en 1503.

La Mona Lisa de Isleworth y otras versiones. Una pintura conocida como la Mona Lisa de Isleworth, que muestra a una mujer de aspecto más joven con columnas a los lados, se ha presentado desde comienzos del siglo XX como una versión anterior pintada por Leonardo. La mayoría de los especialistas en Leonardo no acepta esa atribución. En cambio, se acepta ampliamente que la copia del Prado es una réplica de taller realizada a la vez que el original. Aporta pruebas valiosas sobre el aspecto que tenía la pintura del Louvre antes de que envejeciera su barniz.

Significado. Los historiadores del arte discrepan sobre hasta qué punto debe interpretarse el simbolismo de la pintura. Algunos ven el paisaje como una imagen de la tierra viva y del paso del tiempo, de acuerdo con las notas en las que Leonardo comparó el cuerpo de la Tierra con el cuerpo humano. Otros destacan los elementos habituales de un retrato florentino de matrimonio o de familia. La famosa sonrisa ha recibido explicaciones basadas en la óptica y la neurociencia, según las cuales el efecto depende de cómo percibe la visión periférica las sombras de bajo contraste. Estas explicaciones pueden describir cómo funciona la ilusión, pero no qué pretendía Leonardo.

Documentos. Las principales fuentes escritas son la nota marginal de Vespucci de 1503, el diario de viaje de De Beatis de 1517, las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos de Vasari (1550, revisadas en 1568), el inventario de los bienes de Salaì de 1525 y posteriores inventarios de la casa real francesa. Los archivos florentinos sobre la familia Giocondo, estudiados por Pallanti y otros investigadores, aportan contexto, pero no mencionan directamente la pintura.

Estudio científico. Desde el siglo XX, la pintura se ha examinado mediante radiografías, reflectografía infrarroja, imágenes multiespectrales y otros métodos. Los estudios han medido las finas veladuras del esfumado de Leonardo y han revelado dibujos subyacentes y modificaciones. En 2004–2005, el Louvre organizó una amplia campaña de estudios técnicos con el laboratorio nacional francés de los museos (C2RMF). Las afirmaciones basadas en métodos de obtención de imágenes más recientes, como la propuesta del ingeniero Pascal Cotte de que bajo el retrato visible hay otro distinto, han recibido mucha atención de los medios, pero muchos expertos no las aceptan. Estos advierten que es fácil interpretar en exceso las imágenes multiespectrales de capas de pintura.

Conservación. La tabla de álamo tiene una grieta en la parte superior, estabilizada hace mucho tiempo, y la madera reacciona a la humedad. La pintura se conserva en una vitrina cerrada con humedad y temperatura controladas y, por lo general, no se presta al extranjero. Cualquier limpieza del barniz alterado es muy controvertida: sus defensores sostienen que permitiría recuperar los colores de Leonardo, mientras que sus detractores temen que dañe veladuras de apenas unos micrómetros de grosor.

Exhibición. La pintura se encuentra en la Sala de los Estados desde 2005. La afluencia de visitantes, que ha llegado a unos diez millones al año, hace especialmente difícil contemplarla. En 2025, el Gobierno francés anunció planes para crear un espacio dedicado a la Mona Lisa como parte de una renovación más amplia del Louvre; los detalles y el calendario de estos proyectos pueden cambiar.