Mona Lisa

Die Mona Lisa ist ein halbfiguriges Porträt einer sitzenden Frau, das der italienische Künstler Leonardo da Vinci mit Ölfarben auf eine Holztafel malte. Es zeigt sie von der Taille aufwärts, leicht zu uns gedreht und mit übereinandergelegten Händen. Sie trägt ein dunkles Kleid und einen sehr dünnen, durchsichtigen Schleier über dem Haar. Mit einem schwachen Lächeln blickt sie die Betrachter direkt an.

Der Name geht auf Giorgio Vasari zurück, einen Maler und Schriftsteller des 16. Jahrhunderts, der Lebensbeschreibungen italienischer Künstler verfasste. Er bezeichnete das Bild als Porträt von „Mona Lisa“, der Ehefrau von Francesco del Giocondo. „Mona“ ist eine Kurzform von „Madonna“ und bedeutet „meine Dame“. Auf Italienisch heißt das Gemälde La Gioconda, auf Französisch La Joconde. Beide Namen spielen auf den Familiennamen Giocondo an, der auch „heiter“ oder „fröhlich“ bedeutet.

Das Gemälde gehört heute dem französischen Staat und hängt im Louvre in Paris. Weil es so berühmt und empfindlich ist, wird es hinter schusssicherem Glas in einer Vitrine mit geregeltem Klima gezeigt. Im Gedränge haben Besucher oft nur einen kurzen Moment Zeit, es anzusehen.

Beginne beim Gesicht. Leonardo zog keine scharfen Umrisslinien um die Lippen oder die Augenwinkel. Stattdessen baute er die Schatten aus vielen sehr dünnen, fast durchsichtigen Farbschichten auf. So geht das Licht sanft in den Schatten über. Weil die Mund- und Augenwinkel weich und unbestimmt bleiben, scheint sich der Gesichtsausdruck zu verändern: Schaut man direkt auf den Mund, kann das Lächeln zu verschwinden scheinen. Schaut man auf die Augen, scheint es zurückzukehren.

Betrachte als Nächstes ihre Haltung. Die Frau sitzt auf einem Stuhl, dessen Armlehne links unten zu sehen ist. Ihr Körper ist schräg gedreht, ihr Kopf noch etwas stärker uns zugewandt. Diese gedrehte, entspannte Haltung mit vollständig sichtbaren Händen war für Porträts in Florenz neu. Andere Maler, darunter der junge Raffael, übernahmen sie bald. Die Figur bildet eine stabile Pyramidenform: Die Hände sind ihre Basis, der Kopf ihre Spitze.

Sieh dann hinter die Frau. Sie sitzt auf einer Loggia, einem überdachten Balkon. Am linken und rechten Bildrand sind die unteren Teile zweier Säulen zu erkennen. Jenseits der Brüstung öffnet sich eine wilde Landschaft mit einem gewundenen Weg, einer Brücke mit mehreren Bögen auf der rechten Seite, schroffen Felsen und Seen. Der Horizont links scheint niedriger zu liegen als rechts. Das verstärkt den unruhigen, traumartigen Eindruck. Die fernen Hügel verschwimmen in blaugrünem Dunst. Diese Wirkung heißt Luft- oder atmosphärische Perspektive; Leonardo untersuchte sie sorgfältig in seinen Notizbüchern.

Achte zuletzt darauf, was fehlt. Die Frau trägt keinen Schmuck, und weder ein Wappen noch eine Inschrift verrät, wer sie ist. Forschern ist außerdem aufgefallen, dass keine Augenbrauen oder Wimpern zu erkennen sind. Einige technische Untersuchungen deuten darauf hin, dass sie sehr fein gemalt wurden und später bei Reinigungen verloren gingen. Sicher ist das jedoch nicht.

Leonardo wurde am 15. April 1452 in oder nahe der kleinen Stadt Vinci in der Toskana geboren. Als Jugendlicher lernte er in der Florentiner Werkstatt des Bildhauers und Malers Andrea del Verrocchio. Später arbeitete er für den Herzog von Mailand, ungefähr von 1482 bis 1499. Dort malte er Das Abendmahl. Danach kehrte er nach Florenz zurück und begann die Mona Lisa.

Leonardo interessierte sich für fast alles. Seine Notizbücher umfassen Tausende Seiten mit Studien zur Anatomie, zu Wasser, Flug, Pflanzen, Maschinen, Licht und Schatten. Er sezierte menschliche Körper, um Muskeln und Knochen zu verstehen, und untersuchte, wie Licht auf runde Gegenstände fällt. All das zeigt sich in der Mona Lisa: in der sanften Modellierung des Gesichts, im Aufbau der Hände sowie in den Felsen und Gewässern der Landschaft.

Leonardo war auch dafür bekannt, Werke unvollendet zu lassen. Er vollendete nur wenige Gemälde und behielt sie oft jahrelang bei sich. Die Mona Lisa ist ein Beispiel dafür: Statt sie der Familie Giocondo zu übergeben, nahm er sie mit nach Mailand, Rom und schließlich nach Frankreich. Dort starb er am 2. Mai 1519 im Clos Lucé bei Amboise als Gast von König Franz I.

Lisa Gherardini wurde am 15. Juni 1479 in Florenz geboren. Sie stammte aus einer alten Familie, die viel von ihrem früheren Reichtum und Einfluss verloren hatte. 1495 heiratete sie mit etwa fünfzehn Jahren Francesco del Giocondo, einen erfolgreichen Händler mit Seide und Stoffen. Er war deutlich älter und bereits zuvor verheiratet gewesen. Sie hatten mehrere Kinder; Lisa half auch bei der Erziehung ihres Stiefsohns. Archivrecherchen, insbesondere die des italienischen Forschers Giuseppe Pallanti, haben anhand von Steuerunterlagen, Verträgen und kirchlichen Dokumenten viele Einzelheiten ihres Lebens rekonstruiert.

Warum könnte Francesco um 1503 ein Porträt in Auftrag gegeben haben? Historiker nennen zwei mögliche Anlässe: die Geburt des gemeinsamen Sohnes Andrea im Dezember 1502 und den Kauf eines neuen Hauses durch die Familie ungefähr zur selben Zeit. Mit dem Porträt seiner Frau konnte eine wohlhabende Kaufmannsfamilie ihre gesellschaftliche Stellung und ihr Glück zeigen. Der dünne Schleier und die dunkle Kleidung entsprechen der Kleidung einer angesehenen verheirateten Florentinerin. Einige Autoren haben sie als Zeichen von Trauer oder Schwangerschaft gedeutet; diese Deutungen sind jedoch nicht allgemein anerkannt.

Lisa überlebte ihren Mann, der 1538 oder 1539 starb. Ihre letzten Jahre verbrachte sie in Verbindung mit dem Kloster Sant’Orsola in Florenz, in das zwei ihrer Töchter als Nonnen eingetreten waren. Sie starb am 15. Juli 1542; manche Quellen nennen den 14. Juli. Die Familie erhielt das Porträt nie. Es gibt keinen Beleg dafür, dass ein Mitglied der Familie Giocondo das fertige Bild je sah.

Für ein Gemälde der Renaissance ist der Beginn ungewöhnlich gut belegt. 2005 entdeckte Armin Schlechter, Bibliothekar an der Universitätsbibliothek Heidelberg, eine handschriftliche Randnotiz in einer gedruckten Cicero-Ausgabe. Sie stammt vom Oktober 1503 und wurde von Agostino Vespucci verfasst, einem Mitarbeiter der Florentiner Kanzlei. Er verglich Leonardo mit dem antiken Maler Apelles und erwähnte, dass Leonardo an einem Bildnis von Lisa del Giocondo arbeite. Damit war bestätigt, dass das Porträt 1503 bereits in Arbeit war. Gleichzeitig arbeitete Leonardo für die Florentiner Regierung an dem riesigen Wandgemälde Die Schlacht von Anghiari.

Der Zeitpunkt der Fertigstellung ist weit weniger sicher. Vasari schrieb, Leonardo habe vier Jahre daran gearbeitet und es unvollendet gelassen. 1517 besuchte der Sekretär Antonio de Beatis Leonardo in Frankreich. Er hielt fest, dort das Porträt „einer gewissen Florentinerin, nach dem Leben gemalt“ gesehen zu haben, das auf Wunsch von Giuliano de’ Medici entstanden sei. Viele Forscher halten es für die Mona Lisa. Das würde darauf hindeuten, dass Leonardo das Bild in Rom und Frankreich weiterbearbeitete. Der Louvre datiert das Werk deshalb allgemein auf die Zeit zwischen 1503 und 1519.

Leonardo malte auf einem einzigen Pappelholzbrett, einem in Florenz üblichen Bildträger, den er mit einer weißen Grundierung vorbereitete. Er trug die Ölfarbe in äußerst dünnen, teils nur wenige Mikrometer starken Lasuren auf. Schicht um Schicht erzeugte er so Tiefe und sanfte Übergänge. Technische Untersuchungen, etwa mit Infrarot- und Röntgenstrahlen, haben Änderungen während der Arbeit sichtbar gemacht, sogenannte Pentimenti. Sie betreffen zum Beispiel die Stellung der Finger und den Schleier. Im Lauf der Zeit ist der alte Firnis vergilbt. Deshalb wirkt das Gemälde heute wärmer und dunkler, als Leonardo es beabsichtigte. Wegen der damit verbundenen Risiken hat der Louvre bislang entschieden, es nicht zu reinigen.

Seit Langem wird vermutet, die Tafel sei an den Seiten beschnitten worden, sodass Teile der Säulen verloren gingen. Eine genaue Untersuchung der Ränder deutet jedoch darauf hin, dass die Tafel nicht wesentlich verkleinert wurde und die Säulenansätze am Rand von Anfang an nur teilweise sichtbar sein sollten. Darüber wurde allerdings lange diskutiert.

Um 1500 war Florenz eine Republik. Die Familie Medici, die die Stadt während eines Großteils des 15. Jahrhunderts beherrscht hatte, war 1494 vertrieben worden. Der Prediger Girolamo Savonarola war 1498 hingerichtet worden. Niccolò Machiavelli arbeitete damals in der städtischen Kanzlei, und Michelangelo schuf seinen David (1501–1504). Leonardo und Michelangelo erhielten sogar den Auftrag, konkurrierende Schlachtszenen an die Wände desselben Ratssaals zu malen.

Die Porträtmalerei veränderte sich. Frühere Florentinerinnen waren auf Porträts oft streng im Profil dargestellt, ähnlich wie Figuren auf Münzen. Schmuck und kostbare Kleidung zeigten ihren gesellschaftlichen Rang. Flämische Maler hatten Ansichten im Dreiviertelprofil und Landschaften im Hintergrund eingeführt, die italienische Künstler bewunderten. Leonardo verband diese Anregungen mit seinen eigenen Studien zu Licht und Anatomie. So entstand ein Porträt, das wie ein lebendiger Mensch wirkt, der nachdenkt und unseren Blick erwidert.

Die Mona Lisa beeinflusste bald andere Künstler. Raffael, der sich ungefähr von 1504 bis 1508 in Florenz aufhielt, fertigte eine Zeichnung nach ihr an und übernahm ihre Haltung für Porträts wie das der Maddalena Doni. Auch in Leonardos Umkreis entstanden Kopien. Eine Fassung im Museo del Prado in Madrid, die 2012 gereinigt wurde, gilt als Werk aus Leonardos Werkstatt. Sie entstand wohl gleichzeitig mit dem Original, möglicherweise durch einen seiner Schüler. Sie gibt einen Hinweis darauf, wie die Farben ausgesehen haben könnten, bevor der Firnis nachdunkelte.

Nach Leonardos Tod gelangte das Gemälde in die Sammlung des französischen Königs Franz I. Wie genau das geschah, ist umstritten. Leonardos langjähriger Assistent Salaì scheint das Gemälde oder eine Fassung davon zeitweise besessen zu haben. Ein 1525 erstelltes Verzeichnis seines Nachlasses führt ein Bild mit dem Namen „La Gioconda“ auf. Einige Historiker meinen, Franz I. habe das Original noch zu Leonardos Lebzeiten von Salaì gekauft. Laut dem Katalog des Louvre erwarb der König es 1518.

Fast drei Jahrhunderte lang gehörte das Gemälde den französischen Königen. Es wurde zunächst im Schloss Fontainebleau und später in Versailles aufbewahrt. Nach der Französischen Revolution gingen die königlichen Sammlungen in Staatseigentum über, und das Bild kam in das neue öffentliche Museum im Louvre. Napoleon Bonaparte ließ es um 1800 für einige Jahre in seinem Schlafzimmer im Tuilerienpalast aufhängen, bevor es ins Museum zurückkehrte.

Während Kriegen wurde das Gemälde zum Schutz an andere Orte gebracht: 1870–1871 und in beiden Weltkriegen entfernte man es aus Paris. Im Zweiten Weltkrieg wurde es in mehreren Schlössern auf dem französischen Land versteckt, darunter Chambord, um es vor Bombenangriffen und Plünderungen zu schützen.

Bis ins 19. Jahrhundert wurde die Mona Lisa von Künstlern und Kunstkennern bewundert, war aber nicht berühmter als viele andere Gemälde der Renaissance. Schriftsteller der Romantik begannen, die Frau als geheimnisvolle und verführerische Gestalt zu beschreiben. Eine berühmte Passage des englischen Kritikers Walter Pater aus dem Jahr 1869 trug dazu bei, ihr Lächeln zu einem Sinnbild des Rätselhaften zu machen.

Am 21. August 1911 verschwand das Gemälde aus dem Louvre. Der Dieb war Vincenzo Peruggia, ein italienischer Arbeiter, der im Museum beim Anbringen von Schutzglas geholfen hatte. An einem Schließtag nahm er die Tafel von der Wand, entfernte den Rahmen und verließ das Gebäude. Das Bild hatte er unter seinem Arbeitskittel versteckt. Mehr als zwei Jahre lang blieb es verschwunden. Der Dichter Guillaume Apollinaire wurde kurzzeitig festgenommen, und Pablo Picasso wurde befragt. Im Dezember 1913 versuchte Peruggia, das Gemälde an den Florentiner Kunsthändler Alfredo Geri zu verkaufen. Dieser verständigte die Behörden. Peruggia behauptete, er habe das Bild nach Italien zurückbringen wollen. Nachdem es in Florenz, Rom und Mailand gezeigt worden war, kehrte es im Januar 1914 nach Paris zurück.

Zeitungen in aller Welt berichteten über den Diebstahl und die Wiederentdeckung. So wurde das Gemälde überall bekannt. Im 20. Jahrhundert nutzten Künstler es als Symbol der großen Kunst, das sie hinterfragen oder verspotten konnten: 1919 zeichnete Marcel Duchamp einer Postkartenreproduktion einen Schnurr- und Kinnbart auf (L.H.O.O.Q.). 1963 vervielfältigte Andy Warhol das Motiv in einem Siebdruck mit dem Titel Thirty Are Better Than One. 1962–1963 reiste das Gemälde in die Vereinigten Staaten, wo es weit über eine Million Menschen sahen, und 1974 nach Tokio und Moskau.

Das Gemälde wurde auch angegriffen. 1956 warf ein Besucher einen Stein darauf und beschädigte eine kleine Farbfläche nahe dem linken Ellbogen. Seitdem wird es hinter Schutzglas gezeigt. Bei späteren Vorfällen, etwa als 2022 Kuchen auf das Glas geschmiert und 2024 Suppe dagegen geworfen wurde, blieb das Gemälde selbst unversehrt.

Identität. Vasari bezeichnete die Dargestellte 1550 als Lisa del Giocondo. Er schrieb das Jahrzehnte nach den Ereignissen und hatte das Gemälde selbst nie gesehen. Deshalb wurde seine Aussage lange mit Vorsicht betrachtet. Als andere mögliche Personen wurden unter anderem Isabella d’Este, Costanza d’Avalos und eine Geliebte Giuliano de’ Medicis vorgeschlagen. Auch eine idealisierte Frau oder sogar ein verkleidetes Selbstporträt Leonardos kamen als Deutungen auf. Die Vespucci-Notiz von 1503 gilt heute allgemein als starker Beleg dafür, dass Leonardo zu dieser Zeit Lisa del Giocondo malte. Weiterhin umstritten ist, ob das Bild im Louvre genau dieses Porträt ist und wie stark Leonardo es später veränderte.

Das Problem der Aussage von de Beatis. In seiner Beschreibung von 1517 bringt de Beatis das Porträt der Florentinerin mit Giuliano de’ Medici in Verbindung, nicht mit Francesco del Giocondo. Forscher erklären das unterschiedlich: Giuliano, der in Rom lebte, während Leonardo dort unter seiner Förderung arbeitete, könnte ihn zur Weiterarbeit am Porträt ermutigt haben. De Beatis oder seine Auskunftsperson könnte sich geirrt haben. Oder das in Frankreich gesehene Gemälde war ein anderes Werk. Es wurde auch vermutet, dass es zwei Porträts gab: eines für die Familie Giocondo und eine spätere Fassung. Die meisten Fachleute halten das Louvre-Gemälde jedoch für das einzige Original, das 1503 begonnen wurde.

Die Isleworth Mona Lisa und andere Fassungen. Ein als Isleworth Mona Lisa bekanntes Gemälde zeigt eine jünger wirkende Frau mit Säulen an den Seiten. Seit dem frühen 20. Jahrhundert wird es als frühere Fassung von Leonardo beworben. Die meisten Leonardo-Fachleute erkennen diese Zuschreibung nicht an. Die Prado-Kopie gilt dagegen weithin als Nachbildung aus der Werkstatt, die parallel zum Original entstand. Sie liefert wertvolle Hinweise darauf, wie das Louvre-Gemälde aussah, bevor sein Firnis alterte.

Bedeutung. Kunsthistoriker sind uneinig, wie viel Symbolik sie in dem Gemälde sehen sollten. Einige deuten die Landschaft als Bild der lebendigen Erde und des Vergehens der Zeit. Das passt zu Leonardos Notizen, in denen er den Körper der Erde mit dem menschlichen Körper vergleicht. Andere betonen die herkömmlichen Merkmale eines Florentiner Ehe- oder Familienporträts. Für das berühmte Lächeln gibt es auch Erklärungen aus Optik und Neurowissenschaft. Demnach hängt die Wirkung damit zusammen, wie das Sehen am Rand des Blickfelds kontrastarme Schatten wahrnimmt. Solche Erklärungen können beschreiben, wie die Täuschung funktioniert, aber nicht, was Leonardo beabsichtigte.

Schriftliche Quellen. Die wichtigsten sind Vespuccis Randnotiz von 1503, das Reisetagebuch von de Beatis aus dem Jahr 1517, Vasaris Lebensbeschreibungen der Künstler (1550, überarbeitet 1568), das Nachlassverzeichnis Salaìs von 1525 und spätere Inventare des französischen Königshauses. Florentiner Archivalien über die Familie Giocondo, die Pallanti und andere untersucht haben, liefern Hintergrundinformationen, erwähnen das Gemälde aber nicht direkt.

Naturwissenschaftliche Untersuchungen. Seit dem 20. Jahrhundert wurde das Gemälde unter anderem mit Röntgenaufnahmen, Infrarotreflektografie und multispektralen Aufnahmen untersucht. Forschende haben die dünnen Lasuren von Leonardos Sfumato vermessen und Unterzeichnungen sowie Änderungen sichtbar gemacht. 2004–2005 organisierte der Louvre gemeinsam mit dem französischen Forschungslabor für Museen (C2RMF) eine umfangreiche technische Untersuchung. Behauptungen auf Grundlage neuerer Bildgebungsverfahren erhielten viel Aufmerksamkeit in den Medien. Dazu gehört die These des Ingenieurs Pascal Cotte, unter dem sichtbaren Bild liege ein anderes Porträt. Viele Fachleute akzeptieren sie nicht und warnen davor, multispektrale Aufnahmen übereinanderliegender Farbschichten überzuinterpretieren.

Erhaltung. Die Pappelholztafel hat oben einen Riss, der vor langer Zeit stabilisiert wurde. Das Holz reagiert auf Feuchtigkeit. Das Gemälde wird in einer geschlossenen Vitrine bei geregelter Luftfeuchtigkeit und Temperatur aufbewahrt und gewöhnlich nicht ins Ausland verliehen. Eine Reinigung des verfärbten Firnisses ist höchst umstritten: Befürworter meinen, dadurch würden Leonardos Farben wieder sichtbar. Gegner befürchten Schäden an Lasuren, die nur wenige Mikrometer dick sind.

Präsentation. Seit 2005 hängt das Gemälde in der Salle des États. Bei Besucherzahlen von bis zu etwa zehn Millionen im Jahr sind die Bedingungen für seine Betrachtung bekanntermaßen schwierig. 2025 kündigte die französische Regierung im Rahmen einer größeren Erneuerung des Louvre einen eigenen neuen Bereich für die Mona Lisa an. Einzelheiten und Zeitpläne solcher Vorhaben können sich ändern.