Mona Lisa

A Mona Lisa é um retrato de meio corpo de uma mulher sentada, pintado a óleo sobre um painel de madeira pelo artista italiano Leonardo da Vinci. Ela aparece da cintura para cima, ligeiramente voltada para nós, com uma mão apoiada sobre a outra. Usa um vestido escuro e um véu muito fino e transparente sobre o cabelo. Olha diretamente para quem observa a pintura, com um leve sorriso.

O nome vem de Giorgio Vasari, pintor e escritor do século XVI que escreveu biografias de artistas italianos. Ele chamou a pintura de retrato de “Mona Lisa”, esposa de Francesco del Giocondo. “Mona” é uma forma abreviada de “Madonna”, que significa “minha senhora”. Em italiano, a pintura se chama La Gioconda e, em francês, La Joconde. Os dois nomes fazem referência ao sobrenome Giocondo, que também significa “alegre”.

A pintura hoje pertence ao Estado francês e fica no Museu do Louvre, em Paris. Por ser muito famosa e frágil, é exposta atrás de um vidro à prova de balas, numa vitrine com temperatura e umidade controladas. Por causa da multidão, os visitantes muitas vezes têm apenas um breve momento para vê-la.

Comece pelo rosto. Leonardo não contornou os lábios nem os cantos dos olhos com linhas nítidas. Em vez disso, construiu as sombras com muitas camadas de tinta muito finas, quase transparentes, fazendo a luz passar suavemente para a sombra. Como os cantos da boca e dos olhos têm contornos suaves e indefinidos, a expressão parece mudar: quando você olha diretamente para a boca, o sorriso pode parecer desaparecer; quando olha para os olhos, ele pode parecer voltar.

Depois, observe a pose. A mulher está sentada numa cadeira cujo braço aparece na parte inferior esquerda. Seu corpo está virado para um lado, enquanto a cabeça se volta mais para nós. Essa pose descontraída, com o corpo em rotação e as mãos inteiramente visíveis, era nova nos retratos feitos em Florença e logo foi copiada por outros pintores, entre eles o jovem Rafael. A figura forma uma pirâmide estável, das mãos na base até a cabeça no alto.

Em seguida, olhe para trás dela. Lisa está numa loggia, uma varanda coberta; as bases de duas colunas aparecem nas bordas esquerda e direita. Além do parapeito, abre-se uma paisagem selvagem: um caminho sinuoso, uma ponte com vários arcos à direita, rochedos e lagos. A linha do horizonte à esquerda parece mais baixa que a da direita, o que aumenta a sensação de sonho e inquietação. As colinas distantes desaparecem numa névoa azul-esverdeada. Esse efeito se chama perspectiva aérea, ou atmosférica, e foi estudado cuidadosamente por Leonardo em seus cadernos.

Por fim, repare no que falta. Lisa não usa joias, e não há brasão nem inscrição que diga quem ela é. Estudiosos também observaram que ela parece não ter sobrancelhas nem cílios visíveis. Alguns estudos técnicos sugerem que esses pelos foram pintados com muita delicadeza e desapareceram em limpezas posteriores, mas isso é incerto.

Leonardo nasceu em 15 de abril de 1452 em Vinci, uma pequena cidade da Toscana, ou perto dela. Na adolescência, aprendeu seu ofício na oficina florentina do escultor e pintor Andrea del Verrocchio. Mais tarde, trabalhou para o duque de Milão (aproximadamente de 1482 a 1499), onde pintou A Última Ceia. Depois voltou a Florença, onde começou a Mona Lisa.

Leonardo tinha curiosidade por quase tudo. Seus cadernos, que somam milhares de páginas, contêm estudos de anatomia, água, voo, plantas, máquinas, luz e sombra. Ele dissecou corpos humanos para entender músculos e ossos e estudou como a luz incide sobre objetos arredondados. Tudo isso aparece na Mona Lisa: na modelagem suave do rosto, na estrutura das mãos e nas rochas e águas da paisagem.

Ele também era conhecido por deixar trabalhos inacabados. Concluiu apenas um pequeno número de pinturas e frequentemente as guardava consigo por anos. A Mona Lisa é um exemplo: em vez de entregá-la à família Giocondo, levou-a para Milão, Roma e, por fim, para a França. Lá morreu em 2 de maio de 1519, em Clos Lucé, perto de Amboise, como hóspede do rei Francisco I.

Lisa Gherardini nasceu em Florença em 15 de junho de 1479, numa família antiga que havia perdido grande parte da riqueza e da influência que tivera. Em 1495, aos cerca de quinze anos, casou-se com Francesco del Giocondo, um comerciante bem-sucedido de seda e tecidos, bem mais velho que ela e que já havia sido casado. Eles tiveram vários filhos, e Lisa também ajudou a criar seu enteado. Pesquisas em arquivos, especialmente as do estudioso italiano Giuseppe Pallanti, reconstituíram muitos detalhes de sua vida a partir de registros de impostos, contratos e documentos da Igreja.

Por que Francesco encomendaria um retrato por volta de 1503? Historiadores sugerem duas ocasiões: o nascimento do filho Andrea, em dezembro de 1502, e a compra de uma nova casa pela família por volta da mesma época. O retrato da esposa permitia a uma família próspera de comerciantes mostrar sua posição respeitável e sua boa fortuna. O véu fino e as roupas escuras são compatíveis com as vestimentas de uma mulher florentina casada e respeitada. Alguns autores tentaram interpretá-los como sinais de luto ou gravidez, mas essas interpretações não são geralmente aceitas.

Lisa viveu mais que o marido, que morreu em 1538 ou 1539. Seus últimos anos estiveram ligados ao convento de Sant’Orsola, em Florença, onde duas de suas filhas se tornaram freiras. Ela morreu em 15 de julho de 1542 (algumas fontes indicam 14 de julho). A família nunca recebeu o retrato; não há registro de que algum membro da família Giocondo o tenha visto concluído.

A data de início está excepcionalmente bem documentada para uma pintura renascentista. Em 2005, Armin Schlechter, bibliotecário da Universidade de Heidelberg, identificou uma anotação manuscrita na margem de uma edição impressa de Cícero. A nota foi escrita em outubro de 1503 por Agostino Vespucci, funcionário da chancelaria florentina. Ele comparou Leonardo ao pintor da Antiguidade Apeles e mencionou que Leonardo trabalhava num retrato do rosto de Lisa del Giocondo. Isso confirmou que o retrato já estava em andamento em 1503, quando Leonardo também trabalhava no enorme mural da Batalha de Anghiari para o governo de Florença.

A data de conclusão é muito menos certa. Vasari escreveu que Leonardo trabalhou na pintura por quatro anos e a deixou inacabada. Em 1517, o secretário Antonio de Beatis visitou Leonardo na França e registrou ter visto o retrato de “certa dama florentina, pintada do natural” a pedido de Giuliano de’ Medici. Muitos estudiosos acreditam que se tratava da Mona Lisa, o que sugere que Leonardo continuou a acrescentar detalhes em Roma e na França. Por isso, o Louvre atribui à obra o período amplo de 1503 a 1519.

Leonardo pintou sobre uma única prancha de madeira de álamo, suporte comum em Florença, preparada com uma base branca. Usou tinta a óleo em veladuras extremamente finas, algumas com apenas alguns micrômetros de espessura, acrescentando camada após camada para criar profundidade e transições suaves. Exames técnicos, como estudos com infravermelho e raios X, revelaram mudanças feitas pelo artista, chamadas pentimenti, por exemplo na posição dos dedos e do véu. Com o tempo, o verniz antigo amareleceu. Assim, a pintura hoje parece mais quente e escura do que Leonardo pretendia. Até agora, o Louvre decidiu não limpá-la por causa dos riscos envolvidos.

Há muito tempo existe a crença de que o painel foi cortado nas laterais, eliminando partes das colunas. Um exame atento das bordas sugere que o painel não foi reduzido de maneira significativa e que as bases das colunas nas laterais sempre deveriam aparecer apenas parcialmente, embora a questão tenha sido debatida por muito tempo.

Por volta de 1500, Florença era uma república. A família Medici, que havia dominado a cidade durante a maior parte do século XV, tinha sido expulsa em 1494, e o pregador Girolamo Savonarola fora executado em 1498. Nicolau Maquiavel trabalhava na chancelaria da cidade nessa época, e Michelangelo esculpia seu Davi (1501–1504). Leonardo e Michelangelo chegaram a receber encomendas para pintar cenas de batalha rivais nas paredes da mesma sala do conselho.

A arte do retrato estava mudando. Retratos florentinos de mulheres mais antigos frequentemente as mostravam de perfil rigoroso, como figuras numa moeda, e indicavam sua posição social por meio de joias e roupas finas. Pintores flamengos haviam introduzido figuras vistas em três quartos e paisagens ao fundo, características admiradas pelos artistas italianos. Leonardo combinou essas ideias com seus estudos da luz e da anatomia para criar um retrato que parece mostrar uma pessoa viva, pensando e retribuindo nosso olhar.

A Mona Lisa logo influenciou outros artistas. Rafael, que esteve em Florença por volta de 1504 a 1508, fez um desenho baseado nela e usou sua pose em retratos como o de Maddalena Doni. Artistas do círculo de Leonardo fizeram cópias. Acredita-se que uma versão conservada no Museu do Prado, em Madri, limpa em 2012, tenha sido pintada na oficina de Leonardo ao mesmo tempo que o original, talvez por um de seus alunos. Ela mostra como as cores podem ter sido antes de o verniz escurecer.

Após a morte de Leonardo, a pintura entrou na coleção do rei francês Francisco I. Ainda se discute exatamente como isso aconteceu. Salaì, assistente de Leonardo por muitos anos, parece ter possuído a pintura, ou uma versão dela, em algum momento. Um inventário de seus bens feito em 1525 relaciona uma pintura chamada “La Gioconda”. Alguns historiadores acreditam que Francisco I comprou o original de Salaì enquanto Leonardo ainda vivia; o catálogo do próprio Louvre afirma que o rei a adquiriu em 1518.

Durante quase três séculos, a pintura pertenceu aos reis da França e foi mantida no Palácio de Fontainebleau e, mais tarde, em Versalhes. Depois da Revolução Francesa, as coleções reais tornaram-se patrimônio nacional, e a pintura foi destinada ao novo museu público do Louvre. Napoleão Bonaparte mandou pendurá-la em seu quarto no Palácio das Tulherias por alguns anos, por volta de 1800, antes de ela voltar ao museu.

Durante as guerras, a pintura foi transferida para lugares seguros. Em 1870–1871 e durante as duas Guerras Mundiais, foi retirada de Paris. Na Segunda Guerra Mundial, ficou escondida em vários castelos no interior da França, entre eles Chambord, para protegê-la de bombardeios e saques.

Até o século XIX, a Mona Lisa era admirada por artistas e conhecedores de arte, mas não era mais famosa que muitas outras pinturas renascentistas. Escritores românticos começaram a descrever a mulher como uma figura misteriosa e sedutora. Um famoso texto de 1869 do crítico inglês Walter Pater ajudou a transformar seu sorriso num símbolo de enigma.

Em 21 de agosto de 1911, a pintura desapareceu do Louvre. O ladrão era Vincenzo Peruggia, um trabalhador italiano que havia ajudado a instalar vidros de proteção no museu. Num dia em que o museu estava fechado, ele tirou o painel da parede, retirou a moldura e saiu do prédio com a obra escondida sob sua roupa de trabalho. Ela ficou desaparecida por mais de dois anos. O poeta Guillaume Apollinaire chegou a ser preso por pouco tempo, e Pablo Picasso foi interrogado. Em dezembro de 1913, Peruggia tentou vender a pintura ao negociante de arte florentino Alfredo Geri, que avisou as autoridades. Peruggia afirmou que queria devolvê-la à Itália. Após ser exibida em Florença, Roma e Milão, a pintura voltou a Paris em janeiro de 1914.

Jornais de todo o mundo noticiaram o roubo e a recuperação, e a pintura passou a ser conhecida por todos. No século XX, artistas a usaram como símbolo da arte consagrada para questioná-la ou fazer humor: em 1919, Marcel Duchamp desenhou um bigode e um cavanhaque numa reprodução em cartão-postal (L.H.O.O.Q.); em 1963, Andy Warhol a repetiu numa serigrafia intitulada Thirty Are Better Than One. A pintura viajou para os Estados Unidos em 1962–1963, onde bem mais de um milhão de pessoas a viram, e para Tóquio e Moscou em 1974.

Ela também foi alvo de ataques. Em 1956, um visitante atirou uma pedra que danificou uma pequena área pintada perto do cotovelo esquerdo. Desde então, a obra é exposta atrás de vidro de proteção. Incidentes mais recentes, como um bolo espalhado no vidro em 2022 e sopa jogada contra ele em 2024, não danificaram a pintura.

Identidade. A identificação da mulher como Lisa del Giocondo feita por Vasari foi publicada em 1550, décadas depois dos acontecimentos, por um autor que nunca viu a pintura. Por isso, durante muito tempo foi tratada com cautela. Outras identidades foram propostas, entre elas Isabella d’Este, Costanza d’Avalos, uma amante de Giuliano de’ Medici, uma mulher idealizada e até um autorretrato disfarçado de Leonardo. Hoje, a nota de Vespucci de 1503 é geralmente considerada uma forte confirmação de que Leonardo pintava Lisa del Giocondo naquela data. Ainda se discute se a pintura do Louvre é exatamente aquele retrato e o quanto ela foi transformada depois.

A questão do relato de de Beatis. A descrição feita por de Beatis em 1517 relaciona o retrato da dama florentina a Giuliano de’ Medici, e não a Francesco del Giocondo. Estudiosos explicam isso de maneiras diferentes: Giuliano, que vivia em Roma enquanto Leonardo trabalhava lá sob seu patrocínio, pode ter incentivado o artista a continuar o retrato; de Beatis ou quem lhe passou a informação pode ter se confundido; ou a pintura vista na França pode ter sido outra obra. Foi proposta a existência de dois retratos, um para a família Giocondo e outra versão posterior, mas a maioria dos especialistas considera a pintura do Louvre o único original, iniciado em 1503.

A Mona Lisa de Isleworth e outras versões. Uma pintura conhecida como Mona Lisa de Isleworth, que mostra uma mulher de aparência mais jovem com colunas nas laterais, é apresentada desde o início do século XX como uma versão anterior feita por Leonardo. A maioria dos especialistas em Leonardo não aceita essa atribuição. Já a cópia do Prado é amplamente aceita como uma réplica feita na oficina ao mesmo tempo que o original. Ela fornece pistas valiosas sobre a aparência da pintura do Louvre antes do envelhecimento do verniz.

Significado. Historiadores da arte discordam sobre até que ponto se deve interpretar elementos da pintura como símbolos. Alguns veem a paisagem como uma imagem da Terra viva e da passagem do tempo, em consonância com as anotações em que Leonardo compara o corpo da Terra ao corpo humano. Outros destacam elementos convencionais de um retrato florentino de casamento ou de família. O famoso sorriso também recebeu explicações da óptica e da neurociência, segundo as quais o efeito depende de como a visão periférica percebe sombras de baixo contraste. Essas explicações podem descrever o funcionamento da ilusão, mas não o que Leonardo pretendia.

Documentos. As principais fontes escritas são a nota de Vespucci à margem de um livro, de 1503; o diário de viagem de de Beatis, de 1517; Vidas dos Artistas, de Vasari (1550, revisado em 1568); o inventário dos bens de Salaì, de 1525; e inventários posteriores da realeza francesa. Os arquivos florentinos sobre a família Giocondo, examinados por Pallanti e outros pesquisadores, fornecem contexto, mas não mencionam diretamente a pintura.

Estudo científico. Desde o século XX, a pintura é examinada por radiografia, reflectografia infravermelha, imagens multiespectrais e outros métodos. Estudos mediram as finas veladuras do sfumato de Leonardo e revelaram desenhos sob a pintura e alterações. Em 2004–2005, o Louvre organizou uma ampla campanha de exames técnicos com o laboratório nacional francês para museus (C2RMF). Afirmações baseadas em métodos de imagem mais recentes, como a proposta do engenheiro Pascal Cotte de que existe outro retrato sob o que vemos, receberam grande atenção da imprensa, mas não são aceitas por muitos especialistas. Eles alertam que é fácil atribuir significados excessivos a imagens multiespectrais de camadas de tinta.

Conservação. O painel de álamo tem uma rachadura na parte superior, estabilizada há muito tempo, e a madeira reage à umidade. A pintura é mantida numa vitrine fechada, com umidade e temperatura controladas, e normalmente não é emprestada a instituições no exterior. Qualquer limpeza do verniz alterado é muito controversa: os favoráveis argumentam que revelaria as cores de Leonardo, enquanto os contrários temem danos às veladuras, que têm apenas alguns micrômetros de espessura.

Exposição. A pintura está exposta na Salle des États desde 2005. Com um número de visitantes que chega a cerca de dez milhões por ano, as condições para observá-la são reconhecidamente difíceis. Em 2025, o governo francês anunciou planos para criar um espaço exclusivo para a Mona Lisa como parte de uma reforma maior do Louvre; os detalhes e o cronograma de projetos desse tipo podem mudar.